Danger in the barrio: vuvuzela suelta

Vayamos con tiento al hablar de probaturas. Por aquí se nos suele llenar la boca con lo bien traída que está la experimentación para que la cosa cultural evolucione; ahora bien, sin abusar. En algún lugar de Lisboa, o para ser más exactos en la cercana Amadora, se encuentra el campamento base de Buraka Som Sistema, propuesta excepcional en el arte del exceso. Lo que pasa es que se les fue la mano. Si el objetivo era inventar un baile nuevo, que lo promocionen en los gimnasios, pues no tengo muy claro que el más común de los mortales pueda enfrentarse a semejante desbarre de brazos, piernas y omoplatos.

Buraka Som Sistema arrancaron su andadura en 2006.

Partiendo de la base del kuduro, procedente de Angola y cuyo significado es 'culo duro', el colectivo Buraka Som Sistema lo va mezclando con géneros y bailes de otros rincones del mundo: la soca de Trinidad y Tobago, el banghra del Punjab, la kizomba también angoleña o el zouk de Guadalupe y Martinica, sin olvidar el reguetón o el footwork, fundamentales para destrozarte la cintura...porque para bailar esta "Vuvuzela" es condición indispensable destrozarte las articulaciones. Que digo yo que la mezcla es buena, pero cuando lo juntas todo los sabores se distorsionan y diluyen hasta desaparecer. Como aquellos bocatas de la pubertad en los que tu madre te consentía, como mínimo, cinco embutidos distintos. Y otra cosa: Portugal no se merece estar en la final.

CaboSanRoque - "Frontón Baile Loco"

Pensaron que los objetos se merecían una segunda oportunidad; al fin y al cabo, nosotros los hemos creado, los hemos traído a este mundo y a estas alturas de la historia, con la Edad del Bronce hace ya tantos y tantos milenios superada, qué menos que tratarlos con el respeto pertinente. Nunca pidieron venir a este valle de lágrimas, a este mundo de alegrías y tristezas; nos acompañaron mucho tiempo (y lo siguen haciendo porque no tienen otro remedio), lloramos, reímos con ellos, normalmente nos cabreábamos en plena desesperación por su uso y, helos ahí, todavía nos siguen esperando cuando entramos a casa y cerramos la puerta. Larga vida al cachivache.

Laia Torrents y Roger Aixut publicaron hace dos años 12 Rounds.

CaboSanRoque es un proyecto artístico abanderado por Laia Torrents y Roger Aixut y por el que en sus más de diez años de existencia han pasado numerosos participantes, colaboradores o, bueno, qué importa la denominación para las gentes de paso. Lo cierto es que en la actualidad ambos siguen avanzando en una propuesta que se nutre del arte, de la música y de todo aquello que buenamente tenga un aprovechamiento, a ser posible, cultural. Radicados en Poble Sec, han hecho del ingenio, entendido como máquina o artefacto mecánico, su seña de identidad. Ahora le toca al boxeo.

Flying Lotus - "Ready Err Not"

Lo que se dice una auténtica cerdada, una asquerosidad, una sucesión de imágenes paródicas, sucias, surreales, entre lo inimaginable, lo más kitsch de lo kitsch; a veces repulsivo, otras yacente en lo más hondo de la cochambre mental; en ocasiones repleto de mugre, repugnante, vomitivo. Todo eso me parece el vídeo en cuestión de Flying Lotus. Sin embargo, me lo pienso mejor y cambio de opinión. No es una cerdada, es arte; no es marrano o deshonesto, simplemente es mal gusto en una sucesión animada de seres en otra época hechos con lápices de colores; no es inmundo, incluso diría que tampoco repelente, es barroco, dirán los historiadores del futuro. Y suena bien. 

Flying Lotus publicó en el año 2014 su quinto trabajo, Your're Dead.

Flying Lotus, que en verdad es el nombre artístico de Steven Ellison, es un productor musical angelino que reúne en su árbol genealógico a diversos músicos de jazz, como Alice Coltrane o Ravi Coltrane. En una década ha publicado cinco trabajos discográficos, el último You're Dead, en 2014, al que pertenece este "Ready Err Not" tan curioso. De clara formación jazzística, su currículum artístico evoluciona, claro está, por los caminos de la experimentación. 

Violeta Vil - "Urgencias Primitivas"

Porque con copiar no basta. El problema de muchas formaciones es que no superan el llamémosle cover, llamémosle plagio. Y el problema de mucha parte de la crítica es que se aferra a una idea y de ahí no mueves a los muchachos. Que si garaje, que si Eduardo Benavente, que si la intensidad. Si todo eso está muy bien pero, de entrada, para mencionar el nombre de Eduardo Benavente lo primero que hay que hacer es, y sin dilación, lavarse la boca. Si el mito levantara la cabeza y se topara con el universo de Violeta Vil no sería muy descabellado afirmar que se adheriría a la causa. La relectura del imaginario de Parálisis Permanente salta a la vista y, lo mejor, con cosecha propia, mucha cosecha propia. Si atraen es porque, indudablemente, superan la etiqueta de imitadores.

El núcleo del grupo es Yanara (guitarra)  y Mónica di Francesco (voz, teclado y letras)

Monica di Francesco y Yanara lideran esta banda, radicada en Cantabria, que ya cuenta con dos trabajos discográficos aplaudidos por buena parte de la crítica, Lápidas y cocoteros (2012) y Mujeres Ulaga (2014). Su sonido bascula entre el garaje, la psicodelia y la banda sonora de serie B, mirando tanto hacia la pre-movida de los ochenta como hacia los sesenta más massmediáticos.

La Evolución del Hombre al Pájaro - "Barba de tornado australiano de fuego"

Se trata de la historia de un acercamiento improductivo, otra aproximación inútil, tal vez una más, porque la presa no es presa ni es nada, apenas entiende más allá de las curvas femeninas que lo obnubilan dos metros cuadrados a su redonda. Vamos, que por un momento pensó que era un camello. Lo que más me gusta es cuando dice lo de "soy el tío más patético de toda la discoteca". 

El nuevo proyecto de Víctor Algora supone un giro hacia la electrónica.

Víctor Algora es el principio y fin de este proyecto titulado La Evolución del Hombre al Pájaro, que surgió a principios de 2014 con la edición de "I", su primer single. No obstante, su trayectoria profesional se remonta a 2004, cuando Algora inició su andadura con dos maquetas tituladas "Planes de verano" y "Cosas del star system". Con el tiempo se fueron incorporando otros integrantes a la formación, al tiempo que fue componiendo un corpus de canciones lo suficientemente grande como para nutrir otros caminos en su carrera, más enfocada ahora hacia la electrónica.

Meshell Ndegeocello - "Comet come to me"

La paronomasia del título ya es indicio claro de la melodía inherente a la dama y, claro está, a su obra. El recurso se basa en la combinación de palabras muy parecidas pero que con mínimas variaciones, ya sea en las vocales, ya sea en las consonantes, convierten a la fonética en aliada indiscutible de la artista en cuestión. La cadencia, pues, está servida. "Comet come to me" se pierde en los resquicios de una suave brisa que nos lleva hacia asideros de quietud, paz y tranquilidad. Queda suave, suspendida sobre una atmósfera de elegancia que sólo las grandes voces femeninas saben convertir en sublimes. Superior. 

Meshell Ndegeocello publicó su undécimo álbum el año pasado.

Meshell Ndegeocello (1968) es una artista alemana cuyo estilo se caracteriza por combinar a la perfección variantes tan distintas como el rock, jazz, funk o el hip hop, con el reggae aportando la base fundamental de su propuesta musical. Once álbumes después, la berlinesa también le ha dado un protagonismo especial al bajo eléctrico desde sus primeros directos, a finales de los ochenta. 

Debruit & Alsarah - "Jibal Alnuba"

Unos grandes labios como si del Kiss me de The Cure se tratara te dan la bienvenida, pero nada que ver con ellos: aquéllo era un baño de romanticismo en el sentido más puro del término y ésto, lo de Debruit y Alsarah, es geometría de la buena, fusión al modo tan celebrado en este humilde rincón de la revisión musical de la vieja Querelle des anciennes et modernes. Desde el Nilo también se ven las estrellas que pueblan el universo, así como los cientos de piedras que guardan el silencio de los siglos y a las que ambos artistas rinden homenaje en un trabajo de campo audiovisual de auténtica geología sonora. Que el experimento no acabe. 

Alsarah y Debruit actuaron en la penúltima edición del Sónar.

Debruit es un prestigioso productor francés atraído, sobre todo, por las posibilidades que ofrece el sintetizador desde una perspectiva tan creativa como hedonista. Por su parte, Alsarah es una cantante sudanesa que por motivos políticos vive desde hace más de diez años en Estados Unidos. Ambos unieron sus respectivos talentos en un trabajo discográfico publicado en 2014 que, con el título de Aljawal, se ha revelado como referencia más que reciente de la fusión electrónica. 

Mo Kolours - "Little Brown Dog"

Se trata de una auténtica oda a su perro, un homenaje a ese entrañable Cerbero de cuatro patas y color marrón que, por lo visto, es la alegría de los días y las noches del  joven Deenmamode, más conocido en los ambientes del cortaypega con el nombre artístico de Mo Kolours. El susodicho decidió levantarse una mañana en plan creativo y ponerse a perfilar retazos, uno por aquí, otro por allá; casi sin darse cuenta, se encontró de repente con un pequeño puzzle de sonoridades que para el cambio de estación se ha revelado muy agradable. Deberíamos tomar ejemplo: menos elegías a gente que ya no está con nosotros y que sólo sirven para contentar a sus familiares; como el amigo canino, ninguno.  

La propuesta de Mo Kolours parece un improvisado collage sonoro.

Joseph Deenmamode es un artista británico con orígenes familiares en Islas Mauricio que lanzó su primer trabajo discográfico a mediados de 2014. El estilo de este productor, percusionista y vocalista tiene influencias muy diversas, desde la música jamaicana y los ritmos africanos hasta la electrónica o el hip hop, todo ello embalado en un halo psicodélico que ubica su propuesta a un lado y otro del experimento puro y duro.

Benjamin Booker - "Have you seen my son"

La escena transcurre en el correccional James River de Virginia. Un joven de apenas 25 años, de nombre Benjamin Booker, se da un paseo por las instalaciones desiertas del centro. Mientras, suena una canción a caballo entre el blues, el garaje y el punk. Habla de lamentos, dudas, de anhelos escondidos. En concreto, un padre evangelista se pregunta por el alma de su pobre hijo. Todo ello con un sonido de guitarra medidamente sucio, vertiginoso, como un golpe seco de apenas tres minutos que recuerda los momentos originales del rock, me refiero a aquellos años 50, cuando la brecha generacional entre padres e hijos empezaba abrirse para ya nunca más cerrarse.

Booker nació el 14 de junio de 1989 en Virginia Beach, Virginia, EE.UU.

Lo dicho. El estilo de Benjamin Booker se nutre de los clásicos, del origen del rock como manifestación de la cultura de masas. Loco por la música y truncado el deseo por trabajar en la radio pública estadounidense, su motivación cambió de rumbo. Si no te dejan ensalzar la música de los demás, tendrás que hacerla tú directamente. Ese fue su dilema interior, y de momento parece que le han ido bien las cosas. Su primer trabajo discográfico ha recibido loas y alabanzas de la prensa especializada. Además, hasta el mismísimo Jack White se lo ha llevado de bolos por las américas.

La mezcla de garaje, punk y blues conforma su carta de presentación.

Escuchando a Booker no tiene sentido lo que afirmó tiempo ha otro grande del momento, Matthew E. White: "el rock lo ha hecho ya todo y está muerto". Con Booker no está muerto, ni mucho menos. Hay más vueltas de tuerca posibles. Y ahí está el vídeo, dirigido por Rick Alverson, genial metáfora sobre la vacuidad del mundo. Las celdas están vacías porque, en verdad, los individuos problemáticos permanecen fuera.

"You told me that the world is full of sinners
And placed a bible at my feet
I could hardly understand you
I had just learned to chew my meat
I heard that you were calling on The Lord
Asking for answers, for some relief
Heard that you were calling out my name, my name
And you cried for a whole week
Said "have you seen my son, he's lost in the world somewhere
I pray for him every day but I know he ain't seeing Your ways
Is he all right now, is he all right?
As I got older it never got any better
Said I'm trying to find some truth in this world
I know there's things that you won't understand
I heard that you were calling on The Lord
Asking for answers, for some relief
Heard that you were calling out my name, my name
And you cried for a whole week
Said "have you seen my son, he's lost in the world somewhere.
I pray for him every day but I know he ain't seeing Your ways
All right
All right
We fought all the way from Florida
Now locked into New Orleans
I said God must love every one
Even the ones that just loves the least
They say that when a mother loves a child
Oh she would do most anything
I know that I can never make it right
But it's hard to hear you say it
Said "have you seen my son, he's lost in the world somewhere.
I pray for him every day but I know he ain't seeing Your ways
Is he all right now?
Is he all right?"

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Tremenda Trementina - "Sangre Pop"

Se nota y se siente: el pasado está presente. Pero no el pasado castizamente siniestro de otras épocas; me estoy refiriendo al pretérito imperfecto de este nuestro pop en Lengua y Literatura Castellana. Tremenda Trementina representa a la perfección ese espíritu nuevo, que de nuevo no tiene nada y que lo llamamos así porque, la verdad, hemos estado un par de décadas sofocando a la frescura y apostando por una estética perdida entre lo sensiblero y lo que se suponía experimentación.

Pablo Villafranca y Adriana de la Fuente integran Tremenda Trementina.

 Los de Pamplona, así como Los Punsetes, El Último Vecino o Las Ruinas, conforman la epidermis de un genial y latente pop español que, a diferencia de pasadas movidas y similares, sigue sin mover masas de auténticos adeptos. No nos engañemos: que los festivales de turno congreguen a miles de asistentes es porque la música se ha convertido en la excusa y, en realidad, hace las veces de postre de una oferta maquillada en primeros y segundos platos económicamente mucho más rentables para la organización. No obstante, volvamos a lo que nos ocupa, que es "Sangre Pop". 

La ironía ha vuelto, y ya era hora. Nuestro recurso cultural más potente, nuestra carta de presentación como mediterráneos de pura cepa, eso que hemos dado en llamar desde tiempos inmemoriales la ironía, había desaparecido. Y en éstas que Adriana de la Fuente y Pablo Villafranca, dicho de otra forma, Tremenda Trementina, se han sumado al revival en ciernes, tal vez por eso de que en tiempos de crisis lo que peta, sin lugar a dudas, es lo barroco, y a por la parodia había que ir.

"Sangre Pop" es el segundo trabajo del, ahora, dúo navarro.

"Corre por mis venas sangre pop" me recuerda a docenas de grupos hip hop reafirmándose una y otra vez en el rap como dios supremo al que se adora y no se cuestiona, e ipso facto también oscilo hacia Juan Pardo y mi madre escuchando "Bravo por la música" en un radiocassete inasequible al desaliento. Para colmo, me pongo estupendo y acabo iniciando un viaje en el tiempo hasta el siglo XIII, e imagino en un lugar perdido de La Rioja a un señor llamado Gonzalo de Berceo dejando claro que lo que está escribiendo (porque el "escribe") es muy distinto y mucho mejor que las historias que memorizan y modifican a su antojo los juglares para entretenimiento del vulgo más ignorante. Qué manera de dar bandazos. Y todo para decir que me gusta Tremenda Trementina. Tampoco hacía falta tanta paperassa.

Bowie, Clark, Arca... tres vías para desintegrar el alma a pantallazo limpio

Y el hombre decidió convertirse en Dios. Quiso crear, y para ello imaginó cientos de veces cuál era el camino más eficaz y definitivo para su gestación. Dibujó a lápiz y a pincel, elaboró miles de bocetos desde los tiempos de Leonardo, estudió la anatomía como si de un cuadro cubista se tratara y, finalmente, se topó con las herramientas (casi) más perfectas: programas de diseño aptos para inventar nuevos mundos con paciencia y, sobre todo, mucha formación.

Imágenes de uno de los videoclips de 'Love is lost', de David Bowie.

Tres nombres así lo confirman: Bowie, Clark y Arca. Tenemos a un clásico y dos modernos dotando a la imagen en movimiento de la fuerza necesaria para que pueda seguir impactando, algo más que utópico en estos tiempos de escasas palabras y exceso de pictogramas vía wasap. Del primero ya hemos hablado mucho, y en divobowie ya ni te cuento. Entre las últimas obras del incluido en la lista Falciani surgen dos figuras humanas cuyo contacto sólo servirá para, oh Dios, su desaparición. Incluso la deconstrucción de los cuerpos requiere su técnica.

En el caso de Clark  el camino se revela similar: desde la nada y hasta la nada, la evolución humana se reduce a una intensa sucesión de elementos tal vez antagónicos, quién sabe si complementarios: embriones y fetos en ciernes, raíces y tallos sin hojas, deidades grecolatinas que también se funden en un beso infinito, moais de la Isla de Pascua, corazones, lobas, mapas genéticos y, a gran velocidad, una serie de metáforas visuales desplegadas en el vértigo. Un único visionado ni siquiera te deja a medias.

La sensación ha sido Arca. El discjockey venezolano afincado en Londres ha firmado uno de los vídeos más espectaculares de 2014. Que la máquina se ponga a crear no implica que la belleza sea la única estación de destino. La máquina también sufre y lo feo se merece un hueco entre los nuevos creadores. Al fin y al cabo, el barroco generó hace siglos un sustrato creativo inagotable. Aquel señor que pintaba burgueses con bombín, a veces sin rostro, otras de espaldas, de apellido Magritte y que jugaba a cambiar significados y significantes,.. ¿qué hubiera pensado de la figura danzante al extraño ritmo de Arca? Distorsión. Dislocación.

Barzin - "All the While"

Melancolía, nostalgia, languidez... cuando empleamos tales sustantivos abstractos muchos dejan de leer y a otros se nos hace más difícil escribir. Sin embargo, el caso de Barzin Hosseini, cantautor canadiense de origen iraní que responde al nombre artístico de Barzin, es una excepción. La excelencia del autor de "All the While" reside en que su melancolía despierta, su nostalgia estimula y su languidez espabila.

Barzin ha publicado cuatro trabajos en once años.

A medio camino entre el lamento y el reproche, Barzin construye sus piezas con la constante de la sencillez y, sobre todo, con un timbre de voz tan personal como embriagador. Así le dota a la tristeza de un color más vivo e intenso, y así también logra sumir al oyente y espectador en una atmósfera de pesadumbre en tecnicolor. To Live Alone in That Long Summer es el cuarto trabajo de una trayectoria que arrancó en 2003 y que se compone de cuatro trabajos que han desembocado en un folk cada vez más atemporal. Bendito desconsuelo sin fecha de caducidad.

El vídeo ha sido dirigido por Jason Yeomans.

Y el colofón lo tenemos con el audiovisual. Elegante y otoñal, con el verano relegado al título del álbum, la fotografía juega al rojo, amarillo y verde, y los mezcla en un bello ejercicio de cadencias y lamentos con metafórica maleta de por medio. Si el verano se hizo largo, tal vez el otoño sirva para desempolvar la esperanza.

"All summer your love burned alone
As you learned to love this world
All the while you wait for your heart
All the while you wait for your heart to wake up

Did you lay down beside the girl
Did you wait for something to change you?
All the while you wait for your heart
All the while you wait for your heart to wake up

Empty rooms whisper your name
And the blank page it hides from strain
All the while you wait for your heart
All the while you wait for your heart to wake up"

Dean Blunt - "Mersh"

Ehhhhh!!.... Mmmm!!... Pufff...!! No sé por donde empezar, no sé cómo seguir y, ni mucho menos, a qué conclusión puedo llegar. Lo miro y lo remiro, a ser posible a diversas horas del día para así evitar prejuicios, vicios o malas impresiones del instante. Una cámara fija enfoca a una mujer y a un hombre, sentados plácidamente en un viejo sofá y bañados por la mortecina y rojiza luz de lo que parece un sótano. La imagen es defectuosa. Sucia y con interferencias. Se trata de Dean Blunt y una acompañante que en la "trama" emana algo cercano a la indiferencia más fumada. Pelo mojado, gafas de sol, "Miami" y piernas cruzadas: la tensión también es disfrutable.

Dean Blunt publicó en 2014 su trabajo más reciente, Black Metal,

Ritmo machacón. Oscuridad. Confusión y palabras cayendo al suelo. Todo muy gélido, incluso con la susodicha mortecina y rojiza luz, y a medida que se van sucediendo los golpes aflora un regusto a hedonismo entre el trastorno y el placer. Sí, muy extraño... y desconcertante. No sé si calificarlo de bueno o malo, agradable o incómodo, si el martilleo y la simplicidad del vídeo es digna de un iluminado u otra tomadura de pelo, una más en el vasto panorama de la vanguardia musical contemporánea. Mientras averiguamos qué sentido tiene esto, inspeccionemos de nuevo el lugar del siniestro.

El extraño y misterioso caso del ojo agitante

Si yo no digo que sus voces no sean preciosas. Todo lo contrario: una sobre la otra, superpuestas, yuxtapuestas, a coscoletas, cómo sea, da igual; que sí, que emanan una paz y una quietud, diríamos, oníricas, mágicas... lo que pasa es que al minuto lo que se antojaba el temazo se convierte en una simple canción más para, segundos después, tomar el cariz de solemne tostonazo. Ese proyecto tan cacareado por la prensa musical sobre Jenny Hval y Susanna, artistas noruegas y residentes en Oslo que, visto lo visto, son el culmen de la profundidad, no lo creo merecedor de tanta loa y homenaje. Desde mi más humilde subjetividad, creo que el colectivo se ha pasado cuarenta pueblos con lo de la hiperestesia.

Susanna Wallumrød y Jenny Hval. Foto: Andreas Ulvo

Y si le echamos un vistazo (nunca mejor dicho) al videoclip, la propuesta entra en lo que se conoce como una olímpica tomadura de pelo. Sí, lo repetiré para que quede claro: una grandísima e inmensa tomadura de pelo. Que Duchamp le pintara bigotes a la Gioconda tenía su sentido con la Primera Guerra Mundial recién terminada. Los artistas querían provocar a una sociedad en la que los burgueses habían tomado el mando. No obstante, a estas alturas de la película, con la de vueltas que ha dado la creación artística en todo el siglo XX, que me digan que mover, superponer y agitar el plano detalle de unos ojos (para mas inri en blanco y negro) es sinónimo de autenticidad me parece, sinceramente, una exageración digna de alguien con el criterio de Epi (que se lo digan a Blas). Ahí va eso, y que cada uno saque sus propias conclusiones; eso sí, sin acritud.

Alado Sincera - "A los igualadores"

Definen los señores de la RAE la coherencia como "la conexión, relación o unión de unas cosas con otras". Por ahí gravita la obra de Alado Sincera. Caes en su trampa y, de inmediato, te preguntas cómo es posible que tres elementos pertenecientes a disciplinas contrapuestas se conjuguen de forma tan completa. Lo cierto es que la armazón parece firme. "A los igualadores" yuxtapone una serie de capas en la que, si suprimes alguna, el edificio se derrumba. Lo primero, el sonido. Se habla de posthardcore y, al momento, la sombra de Shellac se apodera del cuadro. Golpes y más golpes, testarazos perfectamente medidos y ejecutados, como si cada nota se perdiera en un ataque preconcebido siempre intenso y preciso. En resumen, disparos certeros y breves (el nuevo álbum apenas supera los veinte minutos). 

 

Alado Sincera publicó en 2014 su nuevo trabajo, La misma figuración.

 Lo segundo, la letra. El tono, rasgado, vehemente, se mezcla con las guitarras haciendo las veces de un instrumento más. Adivinas expresiones tales como "una, grande y libre", "fuerza nueva", "a los reconciliados" y similares, mientras el Romance del prisionero (siglo XV) subtitula, lo tercero, el festival de texturas que desfila ante nuestros ojos. En conjunto, los de Igualada ubican al mismo nivel la vanguardia anglosajona del XX y la lírica tradicional castellana con, y esto es lo extraño, la física y la química de fondo, marco incomparable (nunca mejor dicho). Decididos, quién sabe, a romper la dicotomía entre ciencias y letras, por algún sitio hay que empezar, y ellos han elegido el hardcore. Con 44 visitas registradas en youtube a finales de enero el efecto no se prevé masivo, pero qué importa. No se hizo la miel para la boca del asno.

A Sunny Day In Glasgow - "In Love With Useless (The Timeless Geometry in the Tradition of Passing)"

Lo siento mucho, pero se me hace muy larga. No puedo con ella. No le encuentro la gracia ni placer alguno cuando la escucho. No me gusta. Solo me atrapa al principio, pero entre tanta vocecita, tanto coro superpuesto, tanto cambio de ritmo sin sentido y, en general, tanto desconcierto, acabo aprentando el botón, y no es precisamente el del volumen. Está bien eso de la sensibilidad... me encanta la sensibilidad en su forma musical, y me siento bien cuando me pierdo en el pop más básico y sencillo, pero tal despliegue de ecos, susurros y extraños cantos de cisne resulta, como mínimo, agotador.

A Sunny Day In Glasgow, grupo procedente de Filadelfia.

Me da lo mismo que la crítica los sitúe entre los mejores de 2014. El periodismo musical me genera un respeto enorme; disfruto leyendo, ya sea compartiendo o discrepando, la opinión de los expertos, muchos de ellos en España con una excelente trayectoria y con trabajos más que contrastados. Pero que no me vengan con que el "In love with useless bla bla bla" es una de las canciones del año porque, sinceramente, es insufrible. ¿Argumentos? Me basta con uno, y basado en la experiencia personal: no la soporto.

Röyksopp & Robyn - "Monument"

Pues Röyksopp son dos, en concreto de Noruega, y Robyn una, claro está,... de Suecia. Para que nos vamos a complicar la vida con presentaciones. "Monument" es una más de las colaboraciones emprendidas por estos artistas de la vieja Escandinavia, ese lugar tan ocupado en los últimos años en generar propuestas culturales con la tecnología como punta de lanza. Además, todo queda en casa: Max Vitali, director del videoclip en cuestión, es pareja de la zancuda sueca, así que la criatura se ha ido gestando también en los escenarios domésticos. 

Todo es muy místico, trascendental, como muy abstracto... una especie de senda hacia lo más íntimo del ser a través de dos realidades antagónicas. ¿Cómo hacemos para que comulguen juntos máquina y natura? Aquí radica el dilema de tantos y tantos diletantes del tecno, tan obsesionados en sacarle unas lagrimillas al robot aún a costa de caer en la sensiblería más extrema. No es el caso que nos atañe. La idea rezuma equilibrio. "Monument" compensa sensibilidad, reflexión y vanguardia, algo muy del XX y que avanzado el milenio necesita acompañarse de un audiovisual excepcional para no repetir esquemas. No obstante, es difícil. Por cierto, saludos de Robyn a Juliana Cerqueira Leite. La clave, en sus esculturas.

Pau Vallvé - "17820"

Es el código postal de Banyoles, el lugar elegido por Pau Vallvé para empezar de nuevo. Pels dies bons parece un álbum fotográfico aún por terminar, tal vez incluso por comenzar. Para su creación el autor abandonó la ciudad y buscó cobijo en la naturaleza; necesitaba un lavado de coco. La verdad es que esto no es muy nuevo. La idea del genio que regresa a las montañas para encontrarse consigo mismo viene de mucho tiempo atrás. Incluso cuando Fray Luis de León decía aquello de la "descansada vida" y lo "del que huye del mundanal ruido" ya resultaba desfasado, pues un tal Horacio allá por el siglo I a.C. estaba sentando las bases del tópico.

El último trabajo de Pau Vallvé huele a 'beatus ille' por los cuatro costados: retiro natural, soledad, pájaros, un lago, poemas que se hacen música, todos los instrumentos en manos del artista, videoclip de producción propia, diseño y estampados elaborados uno a uno, y más etcéteras y etcéteras. Suena todo tan bucólico, tan idílico y tan profundo que a más de uno no le convencerá. Desafortunadamente, somos muy aficionados en este país, se llame como se llame, a desprestigiar trabajos tan sinceros. 

"Adéu alarmes, adéu mil reunions, 

adéu 15.000 mails per matí. 

Adéu trucades, agobios, tensions,

adéu-siau, a mi ja m'heu vist prou.

Que avui me'n vaig, abandono,

ho deixo, ja prou, s'ha acabat aquest joc!

És tan intens, i es veu tot tan més clar

quan vius com si dijous s'acabés el món

que vull començar de nou,

que avui començo de nou. 

Adéu mirar pel futur,

adéu comptar el calers
que queden dins del pot.

Adéu queixar-se per tot,

adéu veure-ho tot fosc

i enfadar-se amb el món.

Que avui me'n vaig, abandono,

ho deixo, ja prou, s'ha acabat aquest joc!

Visca Banyoles, la Brugui

l'estany i la gent del 800 i can Pons!!

Que aquí começo de nou!

Que aquí he començat de nou!
"

Villanueva - "Bombas Nucleares"

Hubo un tiempo en el que las plazas gallegas lo eran (casi) todo, quiero decir, musicalmente. En aquellos tan recacareados años ochenta la zona se erigió en cantera excepcional de artistas. No se trata de hacer palabrería barata: aún hoy retumban fuerte en la cultura peninsular de andar por casa los sones de Coppini (recién marchado hacia el más allá), o Antón Reixa (recién vuelto del más acá de las instituciones) o, incluso, los Siniestro, columna vertebral durante lustros de una escena autóctona que ha mantenido siempre un altísimo nivel de creatividad. Sigue vigente la inspiración, y no sólo con Triángulo de Amor Bizarro, pues el abanico de posibilidades se revela amplio y diverso. Paremos, por ejemplo, en Vigo, yacente en su lejanía con vistas al mar. Allí encontramos a Josete Díaz, nadando vestido por la ría y de paseo histriónico por el Mercado del Calvario. 

De segundo Villanueva, se ha puesto a escribir sus sensaciones Vigo-Madrid-Vigo en un hermoso manojo de canciones sobre la belleza del trayecto. Lo bueno de la distancia es la cantidad de tiempo que te da para la reflexión, como si se tratara de un preso con años por delante para alcanzar la libertad. Dicen que uno de los lugares más bellos para perderse en las canciones es el movimiento, y del movimiento y de la falta de permanencia viene el nuevo catálogo de imágenes y metáforas que propone este mayúsculo compositor. Con Viajes de ida nos situamos ante una recreación poética del trecho, un largo poema al encanto del periplo, con el paisaje haciendo las veces de actor secundario, claro está, de lujo. Primera parada: "Bombas nucleares". Visita recomendada: "Ahogándonos". 

The Prussians - "Cold Trees"

Gracias infinitas a The Prussians. Porque sí. Porque te hacen confiar de nuevo en la juventud y porque, al fin y al cabo, uno nunca sabe si en veintipocos años estas generaciones nos pagarán las pensiones o tendremos que mendigar en las oficinas pertinentes. Baleares también existe; no es sólo Formentera o la "People from Ibiza". Hay vida, y mucha, porque este quinteto mallorquín se revela como la excepción que confirma la regla. Se han metido los ochenta entre pecho y espalda, los han aderazado con lo mejor de los noventa y ahora, con los dosmiles más que avanzados, se lanzan a la aventura de editar un disco con los malos tiempos que corren para la lírica. Tal vez haya salvación para nosotros. Como diría uno que yo me sé, "el milenarismo va a llegar". 

Su primera criatura la han bautizado como Mul Mul. Nada nuevo si lo que buscamos es sorpresas, pero es que en el mundo de la creación artística casi todo está inventado. Lo bueno de estos chavales es que se atreven con la elegancia, con el virtuosismo contenido de los grandes, en definitiva con el pop de altos vuelos de hitos tales como Viva La Vida, The Unforgettable Fire o Hearbeat City. La imitación es buena, sobre todo en la flor de la vida, y si para encontrar el camino hay que indagar en las sendas ajenas, pues bienvenida sea la mímesis. Y es que para pintar bien, no nos engañemos, antes hay que echarles un vistazo a Velázquez y Goya.